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en elaboración… (2022-05)
Jeff Healey (nacido como Norman Jeffrey Healey, 25 de marzo de 1966 – 2 de marzo de 2008) fue un guitarrista y vocalista de jazz, y blues-rock ciego que alcanzó popularidad tanto personal como musical entre los años de la década de 1980 y la de 1990.
Healey nació en Toronto, Ontario, siendo criado en el extremo oeste de la ciudad. Fue adoptado como un bebé; su padre adoptivo fue un bombero. Cuando tenía ocho meses de edad, Healey perdió su vista por retinoblastoma, un extraño cáncer de los ojos. Sus ojos tuvieron que ser eliminados quirúrgicamente, y se le dio otros ojos sustitutos artificiales.
Después de haber obtenido su primera guitarra, comenzó a imitar a sus héroes del blues, tales como John Lee Hooker, Muddy Waters y Eric Clapton, y creó un estilo propio. Apoyado sobre su regazo, mientras que su mano derecha pulsaba las cuerdas, la izquierda recorría una y otra vez el mástil, casi al estilo de una pedal steel guitar. Hizo sus primeras presentaciones en público a los seis años de edad, y alternó bandas y estilos hasta formar su propio trío, once años después. Desde los catorce años seleccionaba música de su colección de casi 25 mil discos de pasta en la Canadian Broadcasting Corporation. Para Healey, la influencia del pop y el jazz de principios del siglo XX era algo esencial en su formación. A los 17 años fundó un grupo, Blue Direction, junto al bajista Jeremy Litller, el baterista Graydon Chapamn y el guitarrista Rob Quail, los cuales eran sus compañeros de estudio. En una de las visitas de Albert Collins a Toronto, se le abrieron las puertas del Albert Hall de la ciudad para tocar como su invitado, una experiencia que repitió cuando llegaron a la ciudad Stevie Ray Vaughan y B.B. King.
Sus jams en la Taberna Grossman, en su ciudad, fueron la antesala del lanzamiento discográfico de su Jeff Healey Band, con su primer álbum See The Light, que fue editado en 1988 por Arista, con John Rockman y Tom Stephem, en bajo y batería respectivamente. El LP incluía una versión del clásico de ZZ Top «Blue Jeans Blues».
Después participó en la película Road House (De profesión duro en español) en 1989, protagonizada por Patrick Swayze, en la cual compuso la banda sonora y actuó en las escenas musicales del pub donde transcurre el film.
Con Hell to Pay, de 1990, su éxito creció aún más. Mark Knopfler, Bobby Whitlock y George Harrison entre sus invitados, y una excelente versión de «While my Guitar Gently Weeps«, de The Beatles. Tres años más tarde, Feel This fue el predecesor de Cover to Cover, una mirada propia sobre temas de Led Zeppelin, The Rolling Stones, The Beatles y Cream, entre otros. Una colaboración en la banda sonora de Un hombre entre sombras y dos recopilaciones antecedieron a Get Me Some, editado en el año 2000. A partir de entonces, Healey dedicó su tiempo a grabar tres CD de jazz tradicional de las décadas del ’20 y ’30, junto a sus Jazz Wizards, con quienes tocaba en su bar Jeff Healey’s Roadhouse, en Toronto. En las presentaciones, solía cambiar la guitarra por la trompeta y el clarinete. Colaboró con Ian Gillan en Gillan’s Inn, apareció junto a Stevie Ray Vaughan en un video de «Look at Little Sister» y condujo dos programas de jazz en una radio.
Siendo esposo de Cristie y papá de Rachel (13 años) y Derek (3 años), Healey dejó un nuevo CD, Mess of Blues, el cual se lanzó en 2009.
El 11 de enero de 2007, Healey se sometió a una cirugía para extirpar el tejido metastásico de sus dos pulmones. En los previos 18 meses, dos sarcomas fueron extirpados de su piernas.
El 2 de marzo de 2008, Healey murió de cáncer en St. Joseph’s Health Centre en su casa de Toronto. Su muerte ocurrió un mes antes del lanzamiento de su álbum, Mess of Blues, el cual era su primer álbum de música rock/blues en ocho años.
Un concierto-homenaje se llevó a cabo el 3 de mayo de 2008 por el beneficio de Daisy’s Eye Cancer Fund, el cual, de acuerdo con Cristie Healey, ha ayudado a hacer grandes avances en la investigación y los avances de futuro para las personas nacidas con la misma herencia genética del retinoblastoma, el cual tuvo su esposo cuando tenía una año de edad. El hijo de Cristie y Jeff Healey también nació con la misma discapacidad.
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Biografía extraída de Wikipedia.
en elaboración… (2022-05)
Compositor, multi-instrumentista y vocalista, Taj Mahal es una de las figuras más prominentes e influyentes de los finales del siglo XX del blues y la música con raíces. Aunque su carrera comenzó hace más de cuatro décadas con el blues estadounidense, ha ampliado su ámbito artístico a través de los años para incluir música representativa de todos los rincones del mundo – África occidental, el Caribe, América Latina, Europa, las islas de Hawai y muchas más. Lo que une a todos es su insaciable interés por el descubrimiento musical. A través de los años, su pasión y la curiosidad le han llevado por todo el mundo, y la perspectiva global resultante se refleja en su música.
Nacido como Henry St. Claire Fredericks en Harlem el 17 de mayo de 1942, Taj creció en Springfield, Massachusetts. Su padre era un pianista de jazz, compositor y arreglista de ascendencia caribeña, y su madre era una maestra de escuela de canto gospel de Carolina del Sur. Ambos padres animaban a sus hijos a sentirse orgullosos de sus raíces étnicas y culturales diversas. Su padre tenía una colección de discos y un amplio radio de onda corta que trajo sonidos de aquí y allá al hogar. Sus padres también lo iniciaron en las lecciones de piano clásico, pero tras dos cortas semanas el joven Henry ya tenía otros planes sobre qué y cómo quería tocar.
Además del piano, el músico joven aprendió a tocar el clarinete, el trombón y la armónica, y le encantaba cantar. Descubrió la guitarra de su padrastro y se puso serio al respecto en su adolescencia, cuando un guitarrista de Carolina del Norte se mudó puerta con puerta y le enseñó los distintos estilos de Muddy Waters, Lightnin ‘Hopkins, John Lee Hooker y Jimmy Reed y otros titanes del blues de Delta y Chicago.
Springfield en la década de 1950 estuvo lleno de recién llegados, no sólo de todo los EE.UU., sino de todo el mundo. «Hablábamos varios dialectos en mi casa – Sureño, del Caribe, de África – y oíamos dialectos del este y oeste de Europa,» recuerda Taj. Además, los músicos del Caribe, de África y de todo los EE.UU. visitaban con frecuencia la casa Fredericks, y esto hizo que Taj quedara más fascinado aún con las raíces – los orígenes de todas las diferentes formas de música que estaba escuchando, que le encaminaron hasta llegar a su actual forma, y que han influenciado durante todo el camino. Comenzó a estudiar las formas más antiguas de la música afroamericana, una música que las compañías discográficas de la época ignoraban.
Henry estudió agricultura en la Universidad de Massachusetts en Amherst, en los comienzos de 1960.
Inspirado por un sueño, adoptó el alias musical de Taj Mahal y formó la famosa U. Mass party band, the Elektras. Después de graduarse, en 1964 se fue al oeste a Los Angeles, donde formó los Rising Sons, una banda de seis componentes que incluía al guitarrista Ry Cooder. La banda abrió para muchos prominentes artistas de los años 60 que estaban de gira, como Otis Redding, Temptations y Martha and the Vandellas.
Durante esos días, Taj también se codeó con diferentes leyendas del blues, como Howlin’ Wolf, Muddy Waters, Junior Wells, Buddy Guy, Lightnin’ Hopkins y Sleepy John Estes.
Esa diversidad en la experiencia musical sirvió de base para que Taj realizara sus tres primeras grabaciones: Taj Mahal (1967), The Blues Natch’l (1968) y Giant Step (1969). Sobre la base de todos los sonidos y estilos que había absorbido de niño y adolescente, estos primeros discos mostraban signos de la exploración musical que llevarían el sello de Taj Mahal durante los próximos años.
En la década de 1970, Taj se hace un hueco musical con una serie de grabaciones que fueron auténticas aventuras, como Happy To be Just Like I Am (1971), Recycling the Blues and Other Related Stuff (1972), la banda sonora nominada al GRAMMY ® de la película Sounder (1973), Roots Mo ‘ (1974) , Música Fuh Ya (Música Para Tu) (1977) y Evolution (The Most Recent) (1978).
Taj se desaceleró un poco durante la década de 1980, sumergiéndose en la música y la cultura de su nuevo hogar en Hawai. Sin embargo, la década vio el gran lanzamiento y buena acogida de Taj en 1987, así como con los tres primeros álbumes infantiles, que llevaban la etiqueta Music For Little People.
Regresó a las grabaciones completas y a las giras en la década de 1990, incluyendo proyectos tales como las partituras musicales para la Langston Hughes / Zora Neale Hurston en Mule Bone (1991) y la película Zebrahead (1992). Años más tarde, Dancing the Blues (1993), Phantom Blues (1996), An Evening of Acoustic Music (1996) y el ganador de Grammy ® Señor Blues (1997) fueron todos éxitos comerciales y de crítica.
Al mismo tiempo, Taj continuó explorando las músicas del mundo, empezando por el acertadamente titulado World Music en 1993. Se juntó con algunos músicos indios para hacer Mumtaz Mahal en 1995, y grabó Sacred Island , una mezcla de música hawaiana y blues, con los Hula Blues en 1998. Kulanjan , publicado en 1999, fue un proyecto de colaboración con el músico de kora Toumani Diabate (la kora es una arpa de 21 cuerdas de África occidental).
En 2000, Taj lanzó Shoutin ‘en clave, el segundo álbum que fue GRAMMY ® también fue el segundo disco el que grabó con los Hula Blues, Hanapepe dream, en 2003.
Taj se une a la etiqueta Heads Up International en el otoño de 2008 con el lanzamiento mundial del Maestro: Celebrating 40 years. Como el título indica, este conjunto de doce pistas marca el cuadragésimo aniversario de la carrera de Taj Mahal siendo una grabación rica y variada mediante la mezcla de material original, tomas de fuentes clásicas, y canciones escritas por un grupo de artistas invitados de gran talento. Esta gala aniversario incluye las actuaciones de Ben Harper, Jack Johnson, Ziggy Marley, Angelique Kidjo, The Wolfs y otros -. Muchos de los cuales han sido directamente influenciados por la música de Taj y su carrera.
«Lo único que he exigido siempre de los discos que he hecho es que sean bailables» dice. «Este disco es bailable, es audible, tiene muchos ritmos diferentes y es accesible. Es muy divertido y representa dónde estoy en este momento particular de mi vida. Este disco es sólo el comienzo de un nuevo capítulo, que va a estar abierto a más música y más ideas. Incluso después de cuarenta años, en muchos sentidos mi música acaba de dar comienzo«.
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